El cuerpo en el arte.

El cuerpo humano tiene una extensión limitada, por ello, buscamos un lugar mas allá de las fronteras de nuestra corporeidad, un lugar que ocupar en el mundo.

                        - Psicológica: Masa que sirve para explicar algo.
 Dos visiones

                       - Filosófica: Visión metafísica, el cuerpo como mediador entre el alma y el mundo real.            

En las culturas orientales el cuerpo tiene una representación simbólica, no tiene sombra.

                                La panadera - Jean-François Millet                                                              Estampa japonesa.

La representación de la figura humana está influenciada por la posición del hombre frente a la naturaleza. Los griegos, por ejemplo, se sentían fuertes frente a la naturaleza y así lo representaban.

Maneras de representar el cuerpo. Picasso y Duchamp.

Picasso.  

• Se puede hacer todo, utilizar todos lo estilos.
• Todas las técnicas, copiar, reciclar, estructurar.
• Idea de comerciar con el arte.
• Personalidad arrebatadora, enérgica.

Duchamp:

• Hay que pensar en conceptos, luego representarlos.
• El artista es un gurú.

Formas en que trata el cuerpo el arte actual.

• Desde la individualidad.
• Desde la globalidad.

El cuerpo fragmentado. Se utilizada fragmentariamente para explicar muchas cosas.

 - Mediante el cuerpo descuartizado se vertebral discursos en torno a esos fragmentos. No existía tradición en este sentido.

- El pelo, la piel, la sangre, la orina, las heces, la cera.

God Knows Why - Damien Hirst

Heaven and hell -  Andres Serrano

El cuerpo y la genética. Clonación.

- Capitalismo clónico.

- Unión entre ciencia y arte.

Incorporación del cuerpo femenino.

-  Es la aportación más importante del arte actual.

- El discurso que se lleva a cabo es menos grandilocuente, más intimista y renovador.

- Se compone de diferentes historias personales.

- En ocasiones se convierte en un discurso demasiado crudo y desgarrador para el espectador.

- En las obras se hace notar ``el grito de esa mayoría silenciada.´´

El cuerpo como soporte.

- El arte se hace parte del cuerpo, por lo tanto, la misma pasa a ser el cuerpo. Adquiere unas características únicas.

Billy & Hells

Self port with skeleton - Marina Abramovic 

El cuerpo prostituído.

 "Perverso no es masturbarse, teñirse o tatuarse la piel. La perversión está en el hecho de comprar cuerpos, voluntades, tiempo". Santiago Sierra

 Personas con diferentes tonos de piel ordenadas del más claro al más oscuro.- Santiago Sierra

El cuerpo transgresor.

Un claro exponente es el fotógrafo estadounidense Joel-Peter Witkin. Su obra recoge a personas como unanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas, depurando de los cuerpos sus connotaciones obscuras y negativas.

Joel-Peter Witkin.

Perversiones.

Carne a montones - Spencer Tunick

Formas de trabajar la carne.

Una artista que ha llevado a cabo su obra sobre esta línea es Adriana Vajerao. Combina la arquitectura con la carne desgarrada y mutilada plateando la paradoja que puede existe entre dos binomios como son la sensualidad - dolor y la violencia - exuberancia. 

Adriana Vajerao

Relacionado con la religión.

    - El cuerpo enfermo.

               - De la enfermedad que surge.

               - De la enfermedad provocada.

La profundidad de la piel - Ángeles Agrela

Anorexia y bulimia: Los excesos.

• El arte del siglo XX ha obtenido más energía de lo feo que de lo bello.
• Se ha llevado a cabo una búsqueda de lo maldito, de lo miserable, de lo excrementicio y ha sido una opción socorrida.

                                                                    

El cuerpo monstruoso.

• Los monstruosos nos fascina y atrae porque nos inquieta, nos aliente y nos obliga a salir de los cotidiano y lo banal, ligado a la ambigüedad.

Nancy Burson

Células: Bio-art.

• Se trabaja en laboratorios con células vivas humanas. Arte crecido de las células.

Autoría desconocida.

Charla Espacio Trapezio sobre mercado galerístico y arte emergente.

La charla ha comenzando con Isabel Gómez, que lleva a cabo la gestión de la Galería Liebre. Comenta la que galería cumple una fundación pública que debería asumir el Ministerio o la universidad, a colación de una pregunta de uno de los asistentes que preguntó cuanto dura la ''relación'' entre la galería y el alumno que expone en ella.

La galería consta de 8 socios, y se mantiene, entre otras cosas, gracias a las cuotas mensuales que estos aportan a la misma. (micromecenazgo)

Comenta Isabel Gómez que la calidad del arte en las galerías de Londres, las cuales visitó en uno de sus viajes, es muy inferior a la que se cuentea por ejemplo en las galerías de Madrid y en concreto en Liebre.

Comenta María Jesús Abad en una de sus intervenciones que la educación artística en nuestro país está muy polarizada, hay algunos que saben mucho y por otro lado hay otro que no saben nada.

Uno de los asistentes comenta también que en el Registro de Actividades Econónimas el artista no existe, no está reconocido.

Se hace alusión también al debate de dar recursos económicos o materiales por parte de las instituciones. Respecto a esto hay muchos problemas, entre ellos de índole jurídica, el problema es estructural. Se debe tener claro si vas a trabajar para el mercado o no, porque eso va a condicionar tu producción.

Comentar Alexander, un hombre licenciado en Bellas Artes una propuesta que está llevando a cabo: ''Retorno social'', a cambio de hospedaje intervine el lugar donde resida. Hospedaje a cambio de arte.

Miriam Estrada, coordinadora del Espacio Trapezio comenta que en Nueva York la labor de las galerías es de la promocionar, dar residencia y cuidar de sus artistas. Les guían y realizando un acompañamiento en el desarrollo del artista (crean redes), es algo que puede ayudar mucho, opina, y que en España no se ve.

Comenta otro de los asistentes que quizás falta una actitud más emprendedora también por parte de los estudiantes, más proactiva.

Se comenta posteriormente que en Suecia pagan a los artistas y pueden participar en una exposición una vez al año, o realizar una individual cada dos años

Seis sombreros para pensar. Propuestas Espacio Trapezio.

Seis sombreros para pensar es un libro de Edward D. Bono, en el que propone una metodología para que los grupos de personas puedan pensar juntos más efectivamente. Lo hemos llevado a cabo con las posibles propuestas que se llevarían a cabo en el proyecto para el Espacio Trapezio.

Las propuestas en principio han sido:

- Entrevistas sobre qué opinan del arte diferentes tipos de personas.
- Que niños y adultos interactúen con una misma obra.
- Una idea en común, llevarla a cabo en diferentes formatos y técnicas.


Las reglas que se deben llevar a cabo son:

1. Blanco - Visión compacta.
2. Rojo - Emociones/opiniones.
3. Azul - Normas.
4. Amarillo - Optimismo.
5. Verde - Creatividad.
6. Negro - Negatividad.

Qué es una feria. ARCO y Art Madrid.

¿Qué es una feria?

Un mercado derivado de los los antiguos, plagados de operaciones comerciales y el mayor centro neurálgico para intercambiar opiniones y tendencias. Una excelente estrategia de marketing.

Las ferias son un punto de encuentro donde se dan cita: consejeros, galeristas, curadores, artistas, los que van a comprar y los hacen de intermediarios. Ya no se habla de ''marchantes'', es una figura que murió, porque los aristas autogestionan su propia obra, incluso hay artistas que gestionan las obras de otros, algo que era impensable. Las ferias sirven para capturar clientes, refrescar la imagen, para ver la competencia...

Curadores, consejeros,... se trabaja por proyectos y se tiene un trayectoria. Tienes unas declaraciones de qué artista eres. Se deben realizar estudios de galerías, alguna que vaya acorde con tu obra: te presentas, muestras tu dossier,...

ARCO, Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Art Madrid, feria de arte emergente.

Tipos de ferias: Internacionales, con una trayectoria de más de cinco años, son internacionales tanto los artistas como las galerías.En las ferias a nivel nacional pueden exponer tanto artistas nacionales como internacionales.

     ARCO

La socialización de la imagen artística a través de la Red en Internet: El espíritu de la colmena.

La clase ha comenzado planteando el binomio Cuerpo de carbono - Cuerpo de silicio. El primero correspondería a la materia real, a nuestro cuerpo de carne y hueso, mientras que el segundo sería la presencia que tenemos en internet.

María Jesús ha utilizado la figura del ''espíritu de la colmena'', porque la metáfora con la vida de las abejas se hace crucial, por la casi exacta similitud, para poder entender como funciona internet y cómo nos desenvolvemos en ese entorno.

La agitación de la colmena.

Cuando aparece algo nuevo, rompe los límites establecidos hasta entonces y así es como ha pasado con internet. ''No se puede evitar ser moderno'', cuando tienes tu disposición una red que te puede aportar infinidad de cosas, cedes a usarla.

¿Hay un arte específico para la red? 

Pensamos erróneamente que entendemos más y mejor el arte de otras épocas que el actual. Las manifestaciones artísticas posteriores están, en muchas ocasiones, repletas de un simbolismo que no acabamos de captar y que no se corresponde con lo que vemos. Sin embargo, el arte contemporáneo habla constantemente de lo que acontece a nuestro alrededor a pesar de que las personas sientas que no lo comprenden.

vs.




Zurbarán

                                                                                                             No. 8 -  Rothko.

Somos productores, recolectores y consumidores de imágenes. Se deben seguir una serie de estrategias cuando de sube una imagen a internet.

• Que la misma resulte llamativa, que el espectador la quiera abrir.
• Al ser abierta, que resulte llamativa.
• Se deben elegir aquellas imágenes que queden mejor en reproducción (foto).

En la reproducción de la escultura, por ejemplo, se necesitan muchas fotografía para poder orientar bien al espectador.

En la reproducción de la pintura o el debuto, se deben tener en cuenta tanto el color la textura y el tamaño, como el calibrado del monitor.

 

                Soplando una flor  - Juan Zamora





Lucio Fontana.



La fotografía y el vídeo son los que mejor se adaptan al medio, pero el hecho de que funcionen mejor no significa que puedan sustituir a la experiencia directa cuando las imágenes tiene un montaje final significativo.

       Sísifo - Antoni Abad.              http://www.hangar.org/sisif/indexv.htm


Extracto de una entrevista al artista.

`` Montse Badia: ¿Cómo cambia tu papel como artista?, ¿cuál es tu trabajo y cuál es tu responsabilidad?

Antoni Abad: Yo vengo de la escultura y había utilizado materiales como sillas plegables, goma-espuma, mecano, hierro, ... después usé materiales más etéreos como la fotografía o el vídeo. Ahora el material que utilizo son las redes de transmisión de datos móviles y de Internet. Las intento modelar para que puedan servir a estos grupos a expresarse con toda libertad. Mi trabajo como artista consiste en dar forma a estas redes, además de implicarme con los grupos con los que trabajo.´´

Entre todos lo usuarios construimos un inmenso mapa de conocimientos.

Si no estás en internet, no existes. Un artista actual debe tener correo, web, blog, perfil Facebook, y cada uno de estos tiene que estar relacionado con su obra. 

Los museos cuidan mucho las reproducciones de las imágenes de las obras, cada vez experimentan mas formas de atraer a los visitantes, aunque este tipo de actuación no está exenta de peligros. Un de las estrategias es explicar o dar vida a las obras, que el que visita la web puede explicar su historia sobre lo que ve.

¿Qué poder tiene la literatura, o qué fuerza tiene el discurso frente a la imagen?

Película: El arte de estrangular.

Un jóven artista, Jerome Platz, es aceptado por una prestigiosa escuela de arte de la Costa Este de Estados Unidos. Allí conoce a una chica de la que queda prendado y comenzará dar rienda suelta a un talento que nadie sabrá apreciar. En una vorágine de circunstancias, comenzarán a sucederse una serie de asesinatos en el campus que desatarán el miedo.

¿Sirven las clases de arte tal y como están planteadas?

Tal y como se plantean en la película, creo que no aportan demasiado a un alumno que estudia arte. En la realidad, aunque a veces la realidad supere a la ficción, generalmente aportan y enriquecen al alumno, no obstante, esto no deja de ser relativo. Depende del profesor que te imparta una asignatura y de su metodología, en ocasiones aprendes mucho, en otras no todo lo que deberías, y en ocasiones casi nada, aunque ésta última circunstancia no deja de ser una oportunidad para poder sacarle partido de manera autónoma aunque se siente que el profesor no te aporte nada. También hay que resaltar que en ocasiones el alumno está condicionado por una serie de gustos, quizás un alumno al que le interesa mucho la escultura sienta que las clases de pintura no le aportan nada y viceversa, y también de la manera que tenga de verla o la forma de expresarse mediante esa disciplina.

¿Siempre los profesores aportan algo?

Los profesores no siempre aportan algo, pero la mayorías de las veces sí. Como comentaba en la respuesta anterior, depende de su metodología y de la forma que tenga de transmitir a sus alumnos. El deber del profesor como tal es intentar que al alumno le llegue la máxima información posible y de la manera más clara, por otra lado el alumno debe saber canalizar lo que el profesor le quiere transmitir. Creo que en ocasiones es una cuestión de conexión, pues no deja de ser de alguna manera una relación ''personal''.

¿Cuando los estudiantes hablan y argumentan, realizan defensas sólidas?

En ocasiones sí, en muchas otras ocasiones no. Es tan relativo como el número de alumnos que estudien Bellas Artes. Siempre que detrás de cada argumentación haya un razonamiento bien fundamentado, habrá una defensa sólida, al margen de lo que se cuente o no convenza a los demás.

¿Es deseable ser famoso como artista?

Dependiendo de las metas que se fije cada uno en su carrera profesional. Habrá gente que tendrá como meta llegar a lo más alto, y habrá otras que se centrarán más en su ámbito creativo sin importarles demasiado si llegan a algún lugar o no.

¿La fama vale a cualquier precio?

En absoluto. Depende de la ética y la moral de cada persona, las hay a las que no les importa poner sus principios en jaque por llegar a la cúspide, y por otro lado están las que priorizan lo que hacen y la manera en que lo llevan a cabo, dejando a un lado ese ''posible precio'' que se pueda pagar.

¿Crees que está bien representada la frustración de un artista?

Creo que no está bien representada incluso hasta algo estereotipada. La frustración de un artista no creo que dependa de si la gente que te rodea entiende lo que haces y como lo haces o no, creo que radica más en la imposibilidad del mismo de llegar a expresar lo que siente o lo que quiere contar. También existirá ese tipo de frustración, la de sentirse incomprendido a nivel artístico, pero no creo que sea la tónica general.

¿Está en la basura lo auténtico?

Se puede encontrar en la basura lo auténtico igual que se puede encontrar en una peana de oro algo que quizás debería estar en la basura. Creo que hay mucho talento que aún se encuentra en la sombra y que podría desbancar obras muy reconocidas.

Pautas para hablar en público.

A la hora de hablar en público hay tres aspectos fundamentales que se deben tener en cuenta: Comunicación no verbal, dicción y organización del discurso.

¿Por qué se deben tener muy en cuenta estos tres aspectos? Mediante la comunicación no verbal se pueden transmitir infinidad de mensajes de manera involuntaria, por eso se debe saber qué postura adoptar y que tu cuerpo ''acompañe'' a todo lo que estás diciendo y no vaya en detrimento de tu discurso. La dicción, lógicamente, es otro aspecto clave, uno debe saber de qué manera va a hablar, que sea clara y limpia, pero con un vocabulario variado y bien estructurado. En cuanto a la organización del discurso, se debe transmitir orden y claridad en lo que se cuenta, que la disertación no lleve a contradicciones, incongruencias y sepa guiar bien a quien escucha.

      - Claves/ guías que se deben tener presentes:

Comunicación no verbal: 

• Postura que se adquiere al hablar: Lugar central, equilibrado, piernas rectas y juntas. Los cinco primeros minutos la gente se hace una idea de ti. Importante como vistes. 
• Recorrido visual que se lleva a cabo: Se debe mirar siempre a todo el mundo.
• Lugar que ocupamos cuando salimos a hablar.

Dicción:

• Como pronunciamos: Frases cortas y claras. Cuando se dice algo importante, dejar una pausa.
• El volumen de voz que utilizamos.
• La velocidad a la que se habla.
• Proyección de voz según el lugar en el que estemos: variará dependiendo de si estamos en un auditorio, o por el contrario en una pequeña sala.
• Realización de pausas significativas.

Organización del discurso:

  

   Este apartado se subdivide en tres:

1. Presentarse, agradecer y exponer un pequeño resumen de lo que vas a hablar.
2. Desarrollo de imágenes/diapositivas. 2.1 De memoria 2.2 Apoyo audiovisual 2.3 Conclusiones a las que llegas.
3. Dar una pauta para que se sepa que se va a acabar. Agradecer al público. Lo que deben recordar.